BUENOS AIRES PHOTO 2018: ESTOS SON LOS DIEZ FOTÓGRAFOS (Y SECCIONES) QUE MÁS NOS IMPACTARON / POR MELISA BORATYN.
A punto de cumplir quince años, Buenos Aires Photo vuelve a abrir sus puertas, con el objetivo de difundir y ampliar el mercado de la fotografía, presentándose por tercer año consecutivo en La Rural, lo que otorga una posibilidad de cambio estético y crecimiento. Para esta edición, que se lleva a cabo del 7 al 9 de septiembre, la feria no sólo va a contar con los clásicos de siempre, sino que invitó a galerías del interior y amplía sus horizontes convocando a proyectos de Chile, Perú, Colombia y Estado Unidos. Dentro de la gran diversidad de propuestas, y siguiendo la tradición de MALEVA, seleccionamos a los diez artistas (y secciones) que no pueden dejar de conocer.
1) PEPE FERNÁNDEZ (ARTISTA HOMENAJE): LA PARÍS DEL SIGLO XX Y UNA OBRA HOMOERÓTICA QUE SE ADELANTÓ A SU TIEMPO
Pepe Fernandez pasó la mayor parte de su vida radicado en París, ciudad que conoció gracias a una invitación de Silvina Ocampo, y donde halló la libertad sexual que acá no encontraba. Allí se enamoró de la fotografía, que pasó a ser su medio de sustento y creatividad. Estuvo rodeado de la vanguardia artística de la época y retrató a todos sus amigos y allegados, desde Julio Córtazar, María Elena Walsh y Jorge Luis Borges entre tantos otros. En la muestra también podrán ver una serie de desnudos, acercamientos sexuales y artísticos que Fernández generaba de otros hombres, dando como resultado un tipo de obra pocas veces vista en el campo de nuestro país. En palabras del curador Francisco Medail, que plantea la hipótesis de que quizás estemos frente al Robert Mapplethorpe argentino, nos explica «nunca antes habíamos visto fotografías homoeróticas producidas en los años 70, de hecho las disidencias sexuales han tenido muy poco lugar dentro de la fotografía argentina; en ese sentido, reintroducir a Pepe en nuestra historia nos permite trazar nuevas cronologías, pensar la importancia de los contextos de producción y establecer relaciones con fotógrafos posteriores».
2) MARCELO BRODSKY: IMÁGENES QUE PARECIERAN DECIR «NO OLVIDAMOS» / ROLF ART
La fotografía de Marcelo Brodsky tiene un sello personal tan marcado que se ha vuelto un referente que recorre el mundo, una insignia de ciertos momentos históricos. El artista toma imágenes del universo privado para transformarlas en representaciones colectivas por medio de la escritura, no sólo sobre las obras sino también de los espacios que las abarcan. Como si quisiera volcar todo lo que siente antes de que se lo lleve el tiempo y la falta de memoria. «No olvidamos» parecen decir estas imágenes que reflejan episodios históricos del siglo XX, siendo quizás la más relevante el Mayo Francés, que ,a propósito, cumple 50 años desde su acontecimiento. Brodsky captura estas manifestaciones, momentos que marcaron a fuegos a una juventud, dejando una enseñanza y reflexión para los que vendrán.
3) SANTIAGO CARRERA: NATURALEZA CONGELADA Y UNA REFLEXIÓN SOBRE LA PERMANENCIA / ZONA DE PHOTO
Santiago Carrera fotografía el silencio y resalta la belleza en las expresiones mínimas desde hace varios años. En sus últimas series incorpora aspectos relacionados al estilo barroco, como por ejemplo con los retratos de mujeres vestidas de negro, sobre fondos del mismo color, donde lo que predomina son sus extensas cabelleras con elaborados peinados sobre sus rostros. Con estos últimos trabajos sin embargo, Santiago propone un cambio radical e indaga en la temática de los bodegones y las naturalezas muertas. Son escenarios que él congela, literalmente, para luego administrar a piacere, volviéndose un estratega y manipulador de la naturaleza frente a la lucha por permanecer.
4) LINKS PROJECT: LA IMAGEN COMO RECURSO Y LENGUAJE DE DISTINTAS GENERACIONES
Links Project tiene la particularidad de ser una muestra dentro del espacio comercial, que invita a curadores jóvenes a pensar a la fotografía a partir de distintas hipótesis. Este año Mercedes Claus nos invita a recorrer, «una aproximación aparente» que reúne a artistas jóvenes establecidos, como Erica Bohm, Manuel A. Fernández, Schevach & Authier, Joaquín Aras junto al fallecido Oscar Bony. Mercedes nos explica: «La propuesta reúne obras que ponen en cuestión el carácter de documento y el tiempo específico en que la imagen fue tomada, tensionando las relaciones entre realidad y ficción, memoria e historia, imagen y palabra». Por sobre todo es una buena oportunidad para ver como distintas generaciones de artistas comprenden a la fotografía y la imagen como recurso y lenguaje, buscando expandir sus posibilidades.
5) ROBERTA BAYLEY (FINE ART MUSIC SHOW): ¡LA ERA DE ORO DEL ROCK! DE LA MANO DE UNA FOTÓGRAFA QUE FUE AMIGA DE MUCHOS GRANDES (DESDE IGGY POP HASTA THE RAMONES)
La obra de Roberta Bayley puede verse en la sección Fine Art Music Show, que reivindica la era de oro del rock durante la segunda mitad del siglo XX y revive momentos históricos de la música, conectando al público con los grandes referentes de este género y presentando sus poderosas imágenes que potenciaron y dieron a conocer a tantos músicos. Bayley formó parte de la escena Punk de la década del ’70, cuando comenzó trabajando como recepcionista en CBGB, donde se hizo amiga de todos, desde Iggy Pop, Blondie, The Sex Pistols, The Ramones, The Clash y The New York Dolls entre otros, lo que con los años la transformó en una de las cronistas más relevantes. Sus fotografías nos sumergen en un universo de mística y creatividad desenfrenada.
6) LIHUEL GONZÁLEZ DE GACHI PRIETO
Lihuel González establece el concepto de traducción y sus límites a través de la serie «Falsos amigos» donde presenta fotografías de tapas de libros de arte en conjunto con sus respectivos audio-libros traducidos al español por fonética. De esta manera se genera una re-interpretación de esta colección. Como bien explica, «un amigo falso es una palabra o expresión de un idioma extranjero que se confunde con una palabra similar en el idioma nativo, aunque sus significados son realmente diferentes. El único consejo importante a este efecto es aplicar la afirmación: «El significado de una palabra depende del uso que se le da.»
7) VIDEO PROJECT: UN HOMENAJE A CUATRO ARTISTAS PIONERAS EN EL CAMPO DE LO AUDIOVISUAL (DESDE MARTA MINUJÍN HASTA MARGARITA BALI)
Este proyecto que cuenta con al curaduría de Rodrigo Alonso es un homenaje a cuatro artistas pioneras en el campo de lo audiovisual, Marta Minujin, Graciela Taquini, Narcisa Hirsch, Margarita Bali. Es una parada obligatoria para involucrarse con otros formatos visuales y entender como el video puede ser utilizado de diversas formas y con múltiples intensiones, a pesar de que en nuestro campo artístico no siempre es entendido o puesto en un lugar de visibilidad. La muestra se llama «Nosotras» y toma como elemento y campo de estudio en común el abordaje del cuerpo femenino.
8) OBRAS DE ALDO SESSA: UNA DE LOS GRANDES DE LA FOTOGRAFÍA ARGENTINA / GALERÍA VASARI
Vasari, una de las pocas galerías que junto a Rolf y Jorge Mara se especializa en el campo de la fotografía, estará presentando una serie de obras de los años ´60 de Aldo Sessa. Son este tipo de proyectos los que nos acercan a la historia del arte argentino y permiten ver trabajos de época y originales que no siempre están al alcance. Sessa es considerado uno de los fotógrafos más importantes de nuestro país con más de cincuenta años de carrera, que se vieron reflejadas en su reciente retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
9) PAULA TOTO BLAKE: FOTOGRAFÍAS FRAGMENTADAS SOBRE LA INUNDACIÓN DE LA PLATA
Paula Toto Blake presenta una serie de fotografías fragmentadas volviéndose casi objetos planos. Las mismas reflejan las consecuencias de la terrible inundación de La Plata en 2013, que transformó para siempre no sólo la vida de sus habitantes, sino la de su emblemática arquitectura, donde queda expuesta el desastre ocasionado por la naturaleza y la negligencia política. Estos edificios que ella selecciona tienen manchas o líneas negras, a modo de cicatrices como bien explica, que permanecerán de forma indeterminada, ayudando a recordar lo que sucedió. Paula hace un trabajo de investigación, buscando re-significar las imágenes de estas edificaciones y la historia que esconden detrás.
10) MANUEL FERNÁNDEZ: EL TIEMPO Y LA QUIETUD DE UNA FOTOGRAFÍA / QUIMERA GALERÍA
Manuel A. Fernandez habla acerca del tiempo, algo a veces difícil de capturar en la quietud de una fotografía. Estudia y se sumerge en la memoria y en nuestra forma de jerarquizar los recuerdos. Hay cosas que quedan grabadas y otras que se escurren por más que queramos preservarlas por siempre. Todo lo que vive en nuestra está conformado por imágenes y Fernández entonces se plantea la siguiente pregunta ¿Qué papel juega la imagen fotográfica en todo esto?. Es así como busca generar un «no tiempo, un tiempo otro. Un tiempo del no tiempo» que no es ni pasado, ni presente o futuro pero que nos ayuda a construir.
Fotos: gentileza Buenos Aires Photo y galerías mencionadas.