Ana Clara Soler ya lleva en su carrera casi una decena de exposiciones individuales
Ana Clara Soler tiene un espíritu inquieto. Desde hace años produce mucha obra, collages, acuarelas, óleos y calados en madera. Es una enamorada del papel y eso es lo primero que se percibe. Sin embargo hace un tiempo decidió poner un freno y desafiarse a sí misma a reinventar no sólo su obra sino su manera de hacer arte. El resultado es su última muestra individual “Retrato del mundo” que presenta en la Galería Sputnik. La recorrimos junto a ella y descubrimos un nuevo universo que durante dos años mantuvo en secreto.
¿Cuál es el concepto de la muestra y como surge?
La muestra surge hace dos años a partir de mis ganas de hacer algo que tuviera una relación con las restricciones. En vez de darle rienda suelta a mi estilo quería tener un sistema de producción de obra en el que yo interviniera de manera azarosa. Empecé a recopilar símbolos, tramas, objetos, dibujos y colores que veía por todas partes y armé un catálogo de esa información. Creé un juego en donde sacaba paletas, objetos y el número de veces que aparecían y las pintaba metódicamente.
¿Cómo una forma de ejercitar el hacer?
Exacto, donde yo estaba presente pero de manera extraña e indirecta, intentando entender como funciona el canal de la creatividad cuando uno le pone trabas. Yo quería trabajar sin inspiración y lo que entendí es que en el camino siguen sucediendo cosas que hacen que todo fluya y eso no se puede parar.
¿Qué lugar ocupa la curadora (Tainá Azeredo) en la muestra?
Cuando empecé con este proyecto detecté que en todas las obras había una especie de alfabeto, como si fueran dueñas de un lenguaje oculto. De eso hablamos cuando nos conocimos con Tainá gracias al programa de Marabunta, que genera intercambios entre artistas y curadores latinoamericanos. Fue mágico, conectamos de manera inmediata y muy profunda. Hablamos de Brasil y Japón, un país muy especial para mí, de las traducciones y el lenguaje y entendí que al no compartir la misma lengua, entre nosotras se generaba lo mismo que en las obras, armábamos nuestro propio código.
«Cuando empecé con este proyecto detecté que en todas las obras había una especie de alfabeto, como si fueran dueñas de un lenguaje oculto. De eso hablamos cuando nos conocimos con Tainá Azeredo (la curadora) gracias al programa de Marabunta, que genera intercambios entre artistas y curadores latinoamericanos. Fue mágico, conectamos de manera inmediata y muy profunda.»
Con respecto a esta serie hay muchas cosas nuevas, en especial la expansión de los objetos en el espacio, un avance muy interesante.
Mi acercamiento al objeto tiene que ver con la necesidad de romper el marco. Me gusta quebrar los límites y entender el concepto de figura y fondo, donde empieza y termina algo. Trabajando con madera y cerámica, esa idea sonaba cada vez más fuerte en mi cabeza y empecé a salirme de la pared, por eso hay muchas bases que permiten que las obras se puedan ver desde arriba. Y si bien hay muchos avances también volví a los aspectos más primarios de mi arte, como por ejemplo el uso del papel y el óleo, materiales que siempre uso y que son esenciales. La relación entre el vejo pensamiento y el nuevo ayudó a la conformación de un lenguaje estético.
¿Dirías que esta es tu experiencia más global?
Sí, de hecho creo que en algún sentido las obras no funcionan por separado. Hay diálogos entre cada una de ellas, ya sea por medio de las formas, los símbolos o los colores. Las acuarelas por ejemplo están armadas en base a la repetición de formas y luego eso se vuelca en los los objetos, formando un relato absoluto.
El texto dice que buscabas alejarte de ciertos manierismos del arte, ¿a qué te referís con eso?
Tiene que ver con el lugar seguro, lo que te sale bien. Yo me estaba perdiendo a causa de eso y de hecho esta experiencia comienza después de una residencia que hice en España y un viaje a Japón, donde sentí que había trabajo con cosas que me interesaban mucho pero que estaba agotando. Por ejemplo hacía mucha recolección de imágenes que luego volcaba en mis obras, pero era todo muy literal. Cuando a ese recurso le di una vuelta empecé a hacer una recolección interior y mis collages se volvieron invisibles.
«Pienso que la libertad se mide según tu punto de vista, uno es tan libre como se lo permite y eso tiene que ver con la perspectiva. Cuando yo elegí encerrarme y ponerme trabas, frente a cada hueco de luz que percibía avanzaba. Me armé un contexto en donde aprendí a ser libre, algo que tiene un precio muy alto, ya que podría haber salido mal.»
¿Cual fue tu mayor desafío?
Entender que las restricciones te dan vuelo y que no se puede ir en contra de la creatividad. Por medio de este proceso se generó un caudal inmenso sobre el cual no tengo poder. Salió de todo y fue genial, no paraba de tener ideas y por eso me sirvió mucho.
Con este proceso llegaste a una instancia de liberación mucho más alta que la que tenías. ¿Dirías entonces que Libertad = Creatividad?
Pienso que la libertad se mide según tu punto de vista, uno es tan libre como se lo permite y eso tiene que ver con la perspectiva. Cuando yo elegí encerrarme y ponerme trabas, frente a cada hueco de luz que percibía avanzaba. Me armé un contexto en donde aprendí a ser libre, algo que tiene un precio muy alto, ya que podría haber salido mal, pero por suerte en este caso sucedió lo contrario.
