¿Cómo se encuentra un nuevo rumbo tras representar al país en una de las plataformas más importantes del arte contemporáneo? Una conversación con Matías Duville sobre lo que deja una experiencia extraordinaria, las preguntas que abre y todo lo que puede ponerse en marcha a partir de ella.
“Cuando algo empieza a estandarizarse, hay que cerrar ese grifo y abrir otro.”, entrevista a Matías Duville después de Venecia: siempre hay otro paisaje. Por Cande Penido para MALEVA.
Representar a la Argentina en la Bienal de Venecia podría haber sido un punto de llegada. Para Matías Duville, fue más bien un punto de partida: ahora está pensando qué caminos abrir, cuáles dejar atrás y qué quiere hacer en los próximos diez años. En la 61.ª Bienal, presentó Monitor Yin Yang, una instalación que desplegaba un territorio monumental de sal y carbón e invitaba al público a recorrerla mientras una banda sonora especialmente creada para la obra lo envolvía. La vivencia funcionó como un reset: le permitió salir de un lugar conocido y descubrir nuevas posibilidades para su trabajo.
Con un libro recién presentado, nuevos proyectos en marcha y la posibilidad de hacer viajar Monitor Yin Yang, lejos de quedarse quieto, Duville sigue explorando otros territorios. En esta conversación con MALEVA habla lo que sucede cuando un artista termina una experiencia de gran escala, del origen de sus dibujos y su encuentro con el gran paisaje; de una pregunta fundamental —por qué hacer arte—, de la música como otra forma de crear y de una rutina que se reparte entre Buenos Aires y Mar del Plata. Porque a veces, luego de llegar lejos, lo más interesante es descubrir hacia dónde seguir.
¿Y ahora qué? El después de la vorágine
—El paso por Venecia, ¿te hizo cambiar algo en tu manera de trabajar o de pensar el arte?
—Absolutamente. Suelo estar alerta a que el trabajo no se estandarice. No es que me sintiera asfixiado o en una meseta, pero esta obra funcionó como un reset. Me abrió nuevas posibilidades; puertas y deseos diferentes. Llegué a un lugar refrescante, con una pieza muy compleja y desafiante, pero también con un aire nuevo. La gente que conoce mi producción sabe que creo a partir del dibujo. Monitor Yin Yang abrió un espacio híbrido, entre el dibujo y lo instalativo.
—Con esas nuevas posibilidades, ¿cómo decidís qué camino tomar? ¿Sentís que te condiciona todo este episodio?
—No, no me siento para nada condicionado. Siento que estoy en un momento en el que necesito tener lucidez para preguntarme dónde quiero estar en los próximos diez años y qué me gustaría hacer. No es tan fácil, siempre pasan cosas que te corren de lo que en algún momento pensaste, pero me gusta la idea de tener una guía. Hay un terreno que por suerte, ya logré allanar, pero a la vez aparecen posibilidades nuevas que me interesan porque son menos predecibles. Siempre trato de hacer zoom out, de entender de qué se trata todo —qué quiero, cómo lo quiero y qué es posible—. Intento ver la big picture, no quedarme demasiado cerca del hacer cotidiano, porque cuando uno está muy ensimismado puede perderse en los detalles. Todo esto puede parecer un análisis medio frío y estratégico, pero por momentos hay que hacerlo. Si no, podés estrellarte o ahogarte en un mar de cosas que te gustaban en un momento y ahora ya estás hasta la coronilla. Cuando algo empieza a estandarizarse, para mí hay que cerrar ese grifo y abrir otro.
—¿Qué se hace tras participar en la Bienal? ¿Qué estás explorando ahora?
—Estoy trabajando en varias cosas. Por un lado, en la itinerancia de la instalación de Venecia. Me gusta la idea de llevarla a otros espacios, aunque en realidad se trata de volver a armarla y versionarla, utilizando sal y carbón del nuevo lugar. Probablemente, la primera parada sea en Buenos Aires. Además estamos conversando con otras instituciones en distintos países. Por el otro, acabamos de presentar el libro del proyecto en Printed Matter, en Nueva York. No es un catálogo de la exposición, sino una especie de célula aparte: una guía que te prepara para ver la pieza y que tiene autonomía como objeto artístico. Lo fuimos construyendo en paralelo a la instalación, con fotografías que tomé en distintos destinos, desde Necochea hasta Alaska, y del sudeste asiático a Rusia. Lo interesante es que nunca sabés bien dónde estás. En la mente, todas esas imágenes funcionan como un solo lugar.
Además, hace un tiempo que estoy con un trabajo que todavía está en una etapa muy inicial y que parte de la fusión de dos imaginarios: el del sudeste asiático y el del sur de Argentina. Parecería que no tienen nada que ver, pero me interesa esa dualidad. Puede sonar disparatado, pero una vez que esté la obra va a tener sentido.
El paisaje como origen
—En tu trabajo suelen convivir entornos, climas e imaginarios muy distintos, que de alguna manera terminan encontrándose. ¿De dónde viene ese interés?
—Creo que de los viajes que hacíamos, cuando era chico, al sur con mi papá. Él trabajaba en biología marina y también hacía documentación geológica para publicaciones académicas, así que viajábamos mucho. Íbamos a la parte marítima del sur, donde se abren grandes extensiones y aparecen bosques petrificados. Para la cabeza de un chico de seis años, esos descampados eran muy salvajes. Últimamente estoy pensando que ese fue mi primer encuentro con el gran paisaje. Y siento que ahí es donde siempre vuelve con mis creaciones. En mi obra hay muchas especies y climas distintos, pero siempre hay una mirada desde el sur.
—¿Qué sucede con ese escenario cuando lo llevás al dibujo?
—Hay algo de cartografía abierta, de un territorio que se desenvuelve hacia el infinito. Es una pulsión que siento al crear: desde acá hacia tierras lejanas. Y es la razón por la que hago arte: para mí es un acto que expande el tiempo. Una actividad en la que aparece todo lo terrible y lo fantástico del tiempo, y que permite expandirlo para que el dibujo sea eterno. El dibujo compulsivo tiene algo de eso.
Entre el sonido y el movimiento
—La música tiene un lugar importante en tu práctica artística. ¿Qué lugar ocupa en tu vida y en tu manera de crear?
—Con mi hermano Pablo, con quien conformamos Centolla Society, tenemos un estudio en su casa donde siempre estamos tocando. Mi relación con la música tiene dos patas, una más experimental, con tecnologías analógicas y digitales. Cada uno o dos años surge una colaboración artística. Y después está la pata más lúdica, la de juntarse a tocar. Pero crear música incidental para producciones, obras y videos es tan importante para mí como agarrar un papel y dibujar. La música tiene una capacidad de convertirse en una especie de líquido que se mete entre los recovecos y trabaja el aire. Me hace pensar de otra manera.
En Venecia, por ejemplo, grabamos alrededor de cien tracks a partir de sonidos vinculados con la fricción de los materiales y las pisadas. Después los trabajamos con melodías de piano y sintetizadores que no terminan de resolverse. Buscábamos generar una tensión y un estado de ánimo particular en los visitantes. En colaboración con un instituto de música y tecnología, el Centro di Sonologia Computazionale la Universidad de Padua, utilizamos un sistema que modifica el sonido en tiempo real según las condiciones atmosféricas de Venecia. Así, el entorno afecta lo que se escucha y hace que cada recorrido sea distinto. La caminata de cada visitante también transforma esa experiencia. La narrativa tiene que ver con la mutación de las especies y del clima, la evolución y la destrucción, y la disputa entre civilización y naturaleza. Lo más lindo es que no lo ves, pero lo sentís. El desafío era generar algo complejo que pareciera simple.
—¿Existe un día normal en tu vida?
—Sí, obvio. Aunque lo que es un día normal para mí, tal vez no lo sea para otros. Mi día a día implica mucho desplazamiento: viajar y estar en contacto con distintos proyectos. Es todo un gran caos. Tengo, por ejemplo, un estudio en Mar del Plata donde hago el trabajo sucio —a veces necesito manipular las cosas de una manera más rústica, más primitiva—, y otro en Buenos Aires, que funciona más como la destilería. Me llevo lo que estoy haciendo de un lado al otro y eso me permite acercarme a él con otra mirada, desde otro lugar. Me gusta esa dinámica porque me permite tomar distancia y ganar perspectiva.
—Hablás de una práctica que se construye entre distintos lugares y momentos. ¿Esa misma lógica de desplazamientos y cruces se da entre tus creaciones?
—Sí, puede pasar. Con El errante, la pieza que acabo de presentar en Pinamar Contemporáneo, pasó algo de eso. La invitación surgió mientras estaba trabajando en la aplicación para Venecia. La locación en los médanos se definió poco antes de viajar y la estructura ya estaba en marcha cuando me concentré en la Bienal. A partir de ahí, la construcción avanzó entre mis viajes. Así pasa que un proyecto medio que contamina al otro.
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